10:00 - Abertura
Francisco Paiva, Director do 3º Ciclo / Doutoramento em Media Artes, UBI
Manuela Penafria, Directora do Curso de 1º Ciclo em Cinema, UBI
Rita Sixto, Coordenadora da Unidade de Investigação LaSia, UPV-EHU
10:30 - Luís Filipe Rodrigues Labcom UBI PT
Investigação Artística e Investigação Científica: como a sua interinfluência
potencia um conhecimento mais holístico
11:00 - Tania de Léon Yong Universidad Nacional Autónoma de México MX
Posibilidades del dibujo en espacios de realidad virtual
11:30 - Rui Algarvio Faculdade de Belas Artes Universidade de Lisboa PT
Anotações sobre um percurso artístico
12:00 - Fabiola Notari Instituto Angelim BR
Festival Experimental Livro de Artista em Vídeo (2020): diálogos e
desdobramentos
14:00 - Jesus Osório Universidad de Granada ES
Travesía: recorrido, juego, riesgo, descubrimiento, encuentro
14:30 - Paulo Dias Labcom UBI PT
Intersecções 20 – Ferramenta de experimentação háptica-áudio-visual
15:00 - Fernando Aranda Gonzalez Media Artes UBI PT
Criação de paisagem na Serra da Estrela na pintura e no desenho
15:20 - Carlos Silva Media Artes UBI PT
Improviso e autoria em cinema e teatro
15:40 - Fabiana Assis Media Artes UBI PT
Resistir apesar de tudo
16:00 - Nathan Costa Media Artes UBI PT
Aspectos políticos e sociais no cinema brasileiro pós-retomada
16:20 - Eulerson Rodrigues Media Artes UBI PT
Dos jogos tradicionais aos digitais e do desporto aos eSports
16:40 - Daniela Corrêa da Silva Pinheiro Media Artes UBI PT
Conversas com a natureza através dos pigmentos das plantas: o processo criativo com o anthotype
17:00 - Ixone Ormaetxe Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea ES
La creación de un nuevo observador. Experimentación de metodologías de observación
18:00 - Encerramento
Festival Experimental Livro de Artista em Vídeo (2020): diálogos e desdobramentos
Em 2020, durante a pandemia do coronavírus, o isolamento social tornou-se o “novo” normal. A possibilidade da extinção da raça humana na Terra, nos fez refletir sobre nossa existência e tudo o que nela está associado, entre tantas importâncias, a cultura e a arte. Um dos objetos simbólicos dessa existência é o livro. Muitas vezes associado à história, ao conhecimento e à difusão de ideias. É um objeto da resistência que ao longo dos séculos presentificou o passado e profetizou o futuro. Com os livros de artista não seria diferente. Além de seu conteúdo impresso em diálogo com técnicas artistas, possui em seu manuseio, a experiência tátil-corpórea da narrativa sendo construída. Corpo e mente unidos. Surgem do encontro entre arte e literatura, e da necessidade de expandir os limites de ambas as áreas. Como continuar transmitindo essas sensações quanto o toque é proibido? Quando o encontro é virtual?
O Festival Experimental Livro de Artista em Vídeo surge como proposição prática-reflexiva sobre a possível tradução intersemiótica de livros de artista para a linguagem audiovisual. Este questionamento surge inicialmente entre os artistas do Núcleo de Livros de Artista - Fabiola Notari, Gisele Asanuma, Julian Campos, Léia Izumi, Liana Yuri e Margarida Holler. No entanto, para um diálogo mais amplo, o festival propôs a experiência como ponto de partida a demais artistas. Como tocar com o olhar? Como explorar os novos recursos digitais e como lançar mão deles como ferramenta de ampliação da linguagem?
Fabiola Notari é artista visual, professora e pesquisadora. Doutora em Literatura e Cultura Russa (FFLCH/USP), mestre em Poéticas Visuais pela Faculdade Santa Marcelina e bacharel em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, onde lecionou de 2012 a 2020. Desde 2014 coordena o Grupo de Estudos Livros de artista, livros-objetos: entre vestígios e apagamentos e em 2018 criou o Núcleo de Livros de Artista. Já participou de exposições e mostras artísticas no Brasil e no exterior com sua produção artística. É co-fundadora do Instituto Angelim, o qual promove ações através da educação, arte, ciência e direitos humanos para incentivar a equidade de gênero.
www.fabiolanotari.com / @ser.criativo.agora
La creación de un nuevo observador. Experimentación de metodologías de observación
Se trata de un estudio, basado en argumentos empíricos, que sostiene que el observador y la realidad son inseparables.
Mi hipótesis defiende los métodos de observación como métodos de creación e investigación, cuestionando el papel pasivo atribuido al observador hasta el momento, para valorar la percepción como una acción y la realidad como un construcción que puede ser compartida.
Ixone Ormaetxe artista multidisciplinar, investigadora y docente. Doctora en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (2020) en del Programa de Iinvestigación en Arte Contemporáneo.
Su trabajo se centra en la investigación y la práctica artística desde un discurso entre el arte público y performativo y su diálogo con el resto de disciplinas.
Su obra pretende así poner en cuestión el rol del observador en el espacio, invitándole a adoptar una actitud pro-activa y generar nuevas lecturas de este.
Su discurso se fundamenta en la observación del espacio para reivindicar la posición activa del espectador y en la observación de los acontecimientos cotidianos. De hecho, uniendo ambas cuestiones del espacio y de la cotidianidad, Ixone se plantea que sería de nuestros espacios sin nuestras acciones cotidianas, a veces mecánicas pero que dan sentido a nuestra existencia y a la de estos lugares a los que pertenecemos y con los que convivimos.
Ixone realiza en sus obras una “interrogación de lo habitual”. Su producción artística se basa asimismo en la colaboración con otros artistas, músicos, escritores e investigadores que expanden su campo hacia ámbitos científicos como la antropología, la sociología o la psicología constructivista, y hacia otras realidades y contextos transfronterizos.
A lo largo de su carrera ha realizado exposiciones tanto a nivel autonómico y estatal como a nivel internacional, mostrando su obra en el Festival Internacional de Arte de Belfast (Irlanda del Norte), en el Festival de Cine Documental de Prizren (Kosovo) o colaborando con el City Culture Institute de Gdansk (Polonia) entre otros. Su trabajo ha sido reconocido con becas de formación y con premios en concursos nacionales como el organizado por Atari y Reflex para el impulso y la promoción de la arquitectura vasca. Paralelamente, compagina su producción artística con la labor docente, diseñando e implementando proyectos artísticos y talleres para distintas Instituciones, e impartiendo clases en centros educativos del País Vasco.
Posibilidades del dibujo en espacios de realidad virtual.
En esta conferencia parto de dos preguntas: ¿El dibujo en realidad virtual puede considerarse dentro del ámbito performativo? ¿el dibujo en realidad virtual puede considerarse dentro de lo expandido?
Me preocupa saber si el dibujo en realidad virtual comparte características con los ámbitos performativo y expandido.
Para ello en la primera parte de la conferencia muestro y analizo un conjunto de dibujos realizados por diversos autores, con diferentes técnicas análogas que considero tienen similitudes con el dibujo en realidad virtual, por su ejecución performativa y expandida.
Posteriormente, bajo parámetros similares examino las piezas realizadas en el proyecto “Estrategias creativas para el dibujo en entornos de realidad virtual”. Los autores de este proyecto fueron: Eduardo Ortiz Vera, Daniel Manzano Águila, Jorge Chuey, José Ángel García Moreno y Tania de León; se llevó a cabo en la Universidad Nacional Autónoma de México, con el apoyo del Programa de Apoyo a Proyectos para la Innovación y Mejoramiento de la Enseñanza (PAPIME). En este proyecto se hizo énfasis en las posibilidades expresivas y los discursos visuales del dibujo en entornos de realidad virtual; el proyecto giró en torno a cuatro temas: a) el lugar del dibujo, b) caligrafía, c) color y d) movimiento.
Me interesa analizar y clasificar no para limitar, sino para entender, organizar y abrir nuevas posibilidades de experimentación plástica, en este caso en particular del dibujo en realidad virtual.
Tania de León Yong es una artista visual mexicana dedicada al dibujo, grabado y animación experimental.
Merecedora de la Distinción Universidad Nacional Jóvenes Académicos en el área de Docencia en Artes en octubre 2013. Es profesora y tutora en el Posgrado en Artes y Diseño de la FAD UNAM, y ha impartido clases también en la Universitat Jaume I, en Castellón, España y en el Tecnológico de Monterrey, CCM. Así mismo ha colaborado en la Kunsthochschule für Medien Köln. Estudios: 1998 Licenciatura en Artes Visuales, ENAP UNAM / 2001 Master en Aplicaciones Multimedia para Internet. Universidad Politécnica de Valencia / 2005 Doctorado en Bellas Artes, en el programa Componentes expresivos, formales y espacio-temporales de la Animación / 2016. Maestría en Historia del Arte, Facultad de Filosofía y Letras UNAM. Ha mostrado su trabajo en 11 exposiciones individuales y más de 50 colectivas. Su obra ha sido expuesta en bienales, museos y ferias de arte de países como Canadá, Alemania, Polonia, Uruguay, Taiwán, Cuba, Argentina, Brasil y España.
Su trabajo de animación ha sido proyectado en diversos festivales como London Experimental Film Festival, Festival de Cine Experimental de Bogotá, Animac Lleida, Animasivo, entre otros. Su más reciente proyecto animado, una serie de instalaciones animadas, se titula Cronografías. Una bitácora personal del tiempo.
Travesía: recorrido, juego, riesgo, descubrimiento, encuentro
Quien inicia una travesía de exploración sabe que se expone a movimientos imprevistos y situaciones arriesgadas, a deambular por terrenos desconocidos a merced del clima y de la inevitable llegada de la noche.
En mi investigación artística reflexiono sobre lugares de estar y de paso, sobre movimiento, invención, misterio, observación, proceso, imagen mental y el valor de lo incierto.
Jesús Osorio é artista plástico, investigador e professor na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Granada (Espanha).
Doutor em Belas Artes e Novas Tecnologías pela Universidade de Málaga (2016); licenciado em Belas Artes - especialidade em Artes Plásticas-Pintura pela Faculdade de Belas Artes de Granada (2000).
Foi investigador visitante na UBI em 2019, no contexto da plataforma Montanha Mágica* Arte e Paisagem, que concluiu com a exposição Exploracões da Vertigem, Propostas a partir duma indagação imersiva na Serra da Estrela.
Intersecções 20 – Ferramenta de Experimentação Háptica-Áudio-Visual
Intersecções 20 é uma performance háptica-áudio-visual que intersecta várias áreas: a música, a imagem fixa e em movimento, e a aquisição táctil gestual.
O resultado é um tema-variação audiovisual em que a figura geométrica do círculo é manipulada de 20 maneiras, tendo como fundo imagens vídeo. É uma homenagem aos 20 anos da FAL / UBI.
Paulo Dias, é docente no Departamento de Artes da UBI e na Escola Superior de Artes Aplicadas do IPCB. Membro integrado do LabCom – Comunicação e Artes / UBI. Licenciado em Ensino da Música (Piano) pela Universidade de Aveiro (1996). Doutorado em
Ciência e Tecnologia das Artes pela Universidade Católica Portuguesa (2019).
Anotações sobre um percurso artístico
A comunicação tem como objectivo dar a conhecer e partilhar com a comunidade da UBI o que tem sido o meu percurso artístico. Tópicos a evidenciar: a importância da formação académica, tanto em Portugal como no México; os principais vectores do processo criativo – como esse processo está sempre em mutação e quais as constantes nesse mesmo processo; factores externos relevantes no percurso artístico.
Rui Algarvio, é artista plástico. Em 1998, licenciou-se na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, em Pintura. Em 2003, concluiu o Mestrado em Artes Visuais – Pintura, na Academia de San Carlos, Cidade do México, e foi distinguido com a medalha de Mérito Académico Alfonso Caso, pela Universidade Nacional Autónoma do México (UNAM). Desde 2000, expõe individual e colectivamente em Portugal, Espanha, França, Áustria, Costa Rica e México. Está representado em várias instituições e colecções privadas.
Investigação Artística e Investigação Científica: como a sua interinfluência potencia um conhecimento mais holístico
Será abordada a investigação através de uma comparação entre a sua aplicação no campo da ciência e no da arte.
No contexto da experiência pessoal artística e científica, expor-se-ão as convergências e as divergências entre os dois campos.
Mas também se evidenciarão as situações em que se intersetam e aquelas em que, complementando-se, tornam o conhecimento mais holístico.
Luís Filipe Rodrigues é artista plástico. Doutorado em Arquitetura/Ramo do Desenho (FAUP).
Mestre em Educação Artística (FBAUL). Licenciado em Artes Plásticas- Pintura (FBAUP).
Publicação do livro "Desenho, Criação e Consciência" e de artigos sobre a Arte e o Desenho. Participação em congressos nacionais e internacionais. Expõe desde 1992 (em Portugal e no estrangeiro). Atualmente, no âmbito da LABCOM e da FAL/UBI, desenvolve trabalhos de Pós-Doutoramento em Media Artes subordinados ao tema O Desenho e a Dialética do Pensamento-Ação.
Improviso e autoria em cinema e teatro
Direção de Atores e o conceito de autoria no processo de criação e representação. Análise de diferentes processos criativos utilizados por atores de Teatro e Cinema.
Carlos Silva é doutorando em Media Artes pela Universidade da Beira Interior onde desenvolve um projeto de investigação sobre a adaptação de contos populares portugueses para cinema. Possui licenciatura e mestrado em Cinema pela mesma universidade. É produtor, realizador e diretor de fotografia.
Resistir apesar de tudo
Neste trabalho apresento de forma breve parte do processo de criação do documentário em longa-metragem Parque Oeste, que dirigi em 2018.
Trato especialmente de dois desvios que ocorreram durante o processo.
O primeiro, durante a etapa de pré- filmagem, se insere na questão colocada por Jean Louis-Comolli de que todo documentarista trabalha "sob o risco do real" e o segundo, versa sobre a decisão pela inserção das imagens de arquivo no filme a partir do conceito de "levante", definido por Georges Didi-Huberman.
Fabiana Assis é doutoranda em Media Artes pela Universidade da Beira Interior, mestre em Arte e Cultura Visual pela Universidade Federal de Goiás e especialista em Cinema Documentário pela Fundação Getúlio Vargas (São Paulo). Co-roteirista do curta-metragem Eixo (2010), diretora e roteirista do curta documentário Real Conquista (2017). Idealizadora e curadora do PirenópolisDoc – Festival de Documentário Brasileiro. Em 2018, dirigiu o longa-metragem Parque Oeste.
Criação de paisagem na Serra da Estrela na pintura e no desenho
Uma maneira de nos aproximarmos da paisagem é estar lá, experienciá-la. E pode estar- se de muitas maneiras na paisagem, ou seja, pode-se vivê-la de diversas maneiras. Uma abordagem é através do caminhar pelos diferentes lugares que ela tem.
Caminhar com a intenção de nos conhecermos mutuamente, como uma espécie de encontro.
Percebemos que os encontros de aproximação e de conhecimento da paisagem são aprofundados através do desenho e da pintura por causa do processo de observação e interpretação picto-gráfica que se faz no papel ou na tela. De alguma forma, começa um ciclo de visão, de trans-formação e criação da paisagem.
Fernando Aranda González é artista Visual mexicano-português. Licenciado em Artes Visuais pela Faculdade de Artes e Design da Universidade Nacional Autónoma do México.
Fez o mestrado em pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Ao longo de vários anos, o seu trabalho plástico baseia-se na prática da paisagem através da experiência estética in situ com uma perspetiva associada à ecologia no sentido holístico e em relação às práticas artísticas comunitárias.
Realizou sete exposições individuais no México e Portugal e participou em 28 exposições coletivas em diferentes países. Pintou murais e fez residências artísticas em Portugal, México, Romania e India. Nos últimos 13 anos lecionou diferentes aulas e workshops de artes em diferentes níveis académicos.
Atualmente é doutorando em Media Artes pela Universidade da Beira Interior.
Dos jogos tradicionais aos digitais e do desporto aos eSports A comunicação tem como objetivo discutir as semelhanças e as diferenças entre quatro
tipos de atividades: os jogos tradicionais, os jogos digitais, o desporto e os eSports (ou desporto eletrônico). A primeira parte da apresentação aborda as características necessárias para a definição de uma atividade enquanto jogo, assim como os elementos
que compõem o exercício, como por exemplo: a formação do conjunto, contendo imagens, símbolos e peças; a definição de limites, a liberdade e a invenção; a união de sorte e habilidade; a gestão de recursos; a decisão entre prudência x audácia.
Já na segunda parte, é discutida a inserção de elementos competitivos, trazendo assim o principal aspecto do desporto e dos eSports, juntamente com outras características que são comuns às duas áreas.
Eulerson Rodrigues é designer de videojogos brasileiro e residente em Portugal.
Estuda videojogos desde a licenciatura em 2011 (Universidade FUMEC, Brasil), tendo a continuidade dos estudos no Mestrado em Design e Desenvolvimento de Jogos Digitais pela Universidade da Beira Interior (Portugal) e o Doutoramento em Media Artes (também na Universidade da Beira Interior), onde pesquisa sobre videojogos competitivos e desporto electrónico.
Aspectos políticos e sociais no cinema brasileiro pós-retomada
No início dos anos 2000, após a chamada “retomada do cinema brasileiro”, iniciativa de industrialização da produção cinematográfica após um período de ruptura nas políticas públicas de fomento ao cinema, surge uma nova geração de cineastas que renova a abordagem dos filmes ao país onde são produzidos.
Uma geração com o olhar moldado por um novo momento político e social no Brasil, políticas públicas de cinema abrangentes e inclusivas, e avanços tecnológicos que tornaram o fazer audiovisual possível para populações antes excluídas. Esta comunicação propõe uma revisão de literatura sobre autores que se dedicaram a pensar essa geração de cineastas ao passo em que se definia e ganhava espaço nos festivais e no mercado audiovisual, com foco nos
aspectos políticos e sociais das obras. Apesar de evitar a definição de rótulos ou marcos totalizantes, fala-se em “Novíssimo Cinema Brasileiro” (Eduardo Valente e Lis Kogan, 2009), “Cinema de Garagem” (Marcelo Ikeda e Dellani Lima, 2011), “Cinema Pós- Industrial” (Cezar Migliorin, 2011) ou “virada afetiva” (Denilson Lopes, 2016).
Nathan Costa é doutorando em Media Artes pela Universidade da Beira Interior, onde conduz uma investigação sobre as intersecções entre cinema, política e história do tempo presente, na cinematografia brasileira contemporânea. O projeto atual dá continuidade aos trabalhos realizados nos âmbitos da graduação em Comunicação Social (Universidade Federal do Espírito Santo, Brasil) e do mestrado em Indústrias Criativas (Radboud University, Países Baixos), focados em diferentes aspectos do
cinema documental e político. De formação cineclubista universitária, possui experiência com marketing digital para cinema independente e como jurado, produtor e assessor de mídia em mostras, seminários e festivais de cinema.
Conversas com a natureza através dos pigmentos das plantas: o processo
criativo com o anthotype
Tendo como ponto de partida o processo fotográfico histórico do século XIX conhecido
por anthotype, esta investigação propõe um abrandamento do ritmo da respiração e dos
gestos através da exploração da materialidade da fotografia artesanal e da componente
somática da vida das plantas, que apresentam um metabolismo próprio, um ritmo lento
e paciente. A investigação de matérias- primas, em especial os pigmentos das plantas
para elaboração de imagens efêmeras é o fio condutor dessa pesquisa. Travessia esta
que investiga o tempo no fotográfico através da construção de um campo visual
expansivo, entre os pixels da captura digital e o registo analógico, dilatado pela
impressão artesanal, atravessado pelo vídeo. Da exploração do potencial deste
conjunto de recursos e meios resulta a exploração de um tempo particular e circular,
passível de nos fazer refletir sobre a transitoriedade nos processos artísticos e nos ciclos
de vida e morte da Natureza, com procedimentos que provocam, exploram e beneficiam
das múltiplas temporalidades inscritas e coexistentes na imagem.
Daniela Corrêa da Silva Pinheiro Artista multimídia. Atualmente cursa o Doutorado em Media Artes, na UBI, em Portugal.
Possui Mestrado em Artes Visuais pela UNICAMP/SP. Pós-Graduação em Economia
da Cultura, pela UFRGS/RS. Graduação em Fotografia pelo SENAC/SP. Graduação em
Jornalismo pela ULBRA/RS.
Realiza pesquisa artísticas e acadêmicas que envolvem o dispositivo imagético, as
poéticas e os processos de criação. Sua pesquisa aborda questões sobre o tempo, a
memória, a impermanência e a duração; através do uso dos processos históricos de
fotografia do século XIX e seu entrecruzamento com a fotografia digital, o vídeo e a
instalação.
Seus trabalhos já foram exibidos no Brasil, Argentina, Espanha, Nepal, Alemanha,
Estados Unidos e Portugal.Atualmente faz parte do grupo de pesquisadores em
processos alternativos e históricos de fotografia do século XIX, Lumen da Universidade
Federal do Rio Grande do Sul, UFRGS/Brasil.
Francisco Paiva, UBI / LABCOM - Comunicação e Artes
Manuela Penafria, UBI / LABCOM - Comunicação e Artes
Rita Sexto, UPV-EHU/LaSia
Doutoramento em Media Artes da UBI
Grupo de Artes do LABCOM - Comunicação e Artes
www.labcom.ubi.pt
Francisco Paiva, Coordenação Geral /
francisco.paiva@labcom.ubi.pt
Mércia Pires, Secretariado /
mercia.pires@labcom.ubi.pt +351 275 242 023 / ext. 1201
Sara Constante, Designer
Rita Correia, Web Developer
Design Multimédia - UBI, 1º e 2º ciclos
Design de Moda - UBI, 1º, 2º e 3º ciclos
Design Industrial - UBI, 1º e 2º ciclos
Cinema - UBI, 1º e 2º Ciclo
Media Artes - UBI, 3º ciclo / Doutoramento
Stellae* Revista de Arte
Universidade da Beira Interior
Fundação para a Ciência e a Tecnologia
Museu de Lanifícios
Câmara Municipal da Covilhã
Covilhã, Cidade Criativa da UNESCO em Design (candidata)
Geral:
Localização
Universidade da Beira Interior
Faculdade de Artes e Letras
Departamento de
Comunicação e Artes
Rua Marquês D'Ávila e Bolama
6201-001 Covilhã, Portugal