Ana Isabel Albuquerque

Passagem
Conjunto de cinco fotografias captadas na zona dos Balcãs, mais concretamente na Bósnia e em Montenegro, no ano de 2015, onde se pretendeu destacar vestígios do património natural e cultural de Kotor, Budva e Sarajevo. Momentos intersticiais. Fragmentos do local, da presença do estranho que passa a integrar o quotidiano da população residente, aludindo à multiculturalidade de que Sarajevo é representativo, por exemplo, e da qual a frase inscrita no chão "Sarajevo Meeting of Cultures" faz jus.


Ana Isabel Albuquerque é doutoranda em Media Artes (UBI), a desenvolver tese na área da Ilustração. É investigadora no LabCom – Comunicação e Artes (UBI) e co-organiza a Ilustrada – Jornada de Ilustração (UBI). É também revisora e tradutora. Foi assistente de museografia e jornalista. É mestre em História da Arte, Património e Teoria do Restauro (FLUL) e licenciou-se em Ciências da Comunicação (UBI). Além de Fotografia, interessa-se por Ilustração, Cinema de Animação, Design, História da Arte, Cultura Visual, Estudos Interartes e Museologia.

Arthur - Cristian Rusznák

Seven Works of Mercy - Hospitality
Viagens e hospitalidade andam de mãos dadas. Nós, como viajantes, estamos sempre à procura de um lugar onde possamos encontrar abrigo. Abrigar os sem-teto, oferecer hospitalidade, faz parte das sete obras de misericórdia corporais. A videoinstalação é inspirada na obra-prima de Caravaggio “Sete Obras de Misericórdia”.


Arthur - Cristian Rusznák é um jovem artista e doutorando da Roménia que fez duas mobilidades Erasmus durante os seus estudos, uma em Metz, França, e outra na Covilhã, durante o seu doutoramento. Sua pesquisa é sobre arte de apropriação com foco em como a obra de Caravaggio e a técnica do claro-escuro influenciaram artistas contemporâneos e como eles utilizam essa técnica atualmente. Em suas obras, ele busca uma forma sutil de expressar a ideia de uma consciência comum na qual não estamos sozinhos, onde podemos encontrar alguém para estar conosco, um mundo onde não há sentimento de alienação ou estranhamento. A partir de memórias de infância e influências de culturas, ele tende a reconhecer os símbolos existentes e dar-lhes uma nova forma utilizando a ingenuidade para criar significados novos, coloridos, inocentes e exóticos. Realizou exposições coletivas na Hungria e na Roménia e participou no projeto InclusiveArt onde fez uma intervenção cultural na aldeia de Banloc, condado de Timis, Roménia.

Camilo Cavalcante

Samsa esteve aqui
Samsa esteve aqui é uma instalação artística que propõe a integração entre artes plásticas, literatura, música, fotografia e transcinema ancorada em uma pesquisa que evoque transversalidades e interseções entre as obras de Marcel Duchamp (Fonte, 1917), Franz Kafka (A Metamorfose, 1915) e Johann Strauss Jr. (O Danúbio Azul, 1866). Assim, a partir dessas referências basilares, buscamos entrelaçar teoria e prática para a realização da referida obra, que pretende provocar a percepção do público, transitando do escatológico, grotesco, ao sublime, manifestado pela música, em busca de criar sensações paradoxais que instiguem questionamentos, inquietações, alguma reflexão, sarcasmo, deboche ou, até mesmo, asco e desconforto no participador. Qualquer coisa que se sinta, menos a inércia.


Camilo Cavalcante é doutorando em Media Artes e investigador bolsista da FCT pelo Labcom. É Mestre em Cinema pela UBI e licenciado em Jornalismo pela UFPE. Realizou 14 curtas em múltiplos suportes e formatos pelos quais recebeu mais de 130 prêmios. Em 2014, lançou a sua primeira longa no International Film Festival Rotterdam, A História da Eternidade, que recebeu 28 prêmios e cujo guião original foi publicado em livro pela CEPE – Companhia Editora de Pernambuco em 2020. No momento, está lançando seu segundo longa de ficção, King Kong en Asunción (2020) que ganhou 16 prêmios, entre eles Melhor Filme (Júri Oficial) e Prêmio do Público no Festival de Gramado.

Daniela Pinheiro

Conversa com natureza I
Esse trabalho faz parte da pesquisa em desenvolvimento, no doutoramento em Media Artes, na UBI. Para esse trabalho escolho trabalhar, com a fotografia que realizei em 2019, de Dona Francisquinha, indígena da etnia Arara Shawãdawa, do Vale do Juruá, no Acre, no Brasil. A escolha dessa imagem foi pensada com a proposta de levantar questões sobre o apagamento dessa cultura ancestral que analogamente está sumindo na atual conjuntura do Brasil. O processo de fotografia realizado com essa imagem foi o chlorophyll print, tendo como suporte a folha de couve. Todo o processo criativo é realizado artesanalmente, permitindo a participação da autora em todas as etapas de criação. Utiliza-se a matriz positiva e a imagem é obtida através do processo de fotossíntese. As imagens fotográficas em Conversa com a Natureza I vão modificando com o tempo. Da primeira imagem para segunda de Dona Francisquinha foram passados seis meses e da segunda imagem para a terceira imagem, um ano.

Daniela Pinheiro é artista multimídia, jornalista e fotógrafa. Atualmente é Professora de Audiovisual do IFB, Brasil. Doutoranda em Media Artes, na UBI, em Portugal, com Mestrado em Artes Visuais na UNICAMP/SP, Brasil. A investigação dos sumos vegetais para elaboração de imagens fotográficas efêmeras é o fio condutor de sua pesquisa. Travessia esta que investiga o tempo no fotográfico, através da construção de um campo visual expansivo. Seus trabalhos já foram exibidos no Brasil, Argentina, Espanha, Nepal, Alemanha, Estados Unidos e Portugal.

Fernando Aranda González

Nave de Santo Antonio
A Nave de Santo António faz parte de uma série de trabalhos sobre a Serra da Estrela onde procuro variações pictórico-cromáticas, gráficas e composicionais sobre os diferentes elementos expressivos da paisagem e os vestígios interiores que me ficam na memória quando estou e caminho na Serra.


Fernando Aranda González é Licenciado em Artes Visuais pela Faculdade de Artes e Design da Universidade Nacional Autónoma do México. Mestre em pintura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. O seu trabalho plástico e de investigação baseia-se na prática da paisagem através da experiência estética in situ com uma perspetiva associada à ecologia no sentido holístico e em relação com as práticas artísticas comunitárias. Tem exposto o seu trabalho individualmente em sete ocasiões e em mais de 30 em grupo. Atualmente é doutorando em Media Artes na Universidade da Beira Interior.

Joana Martinho Marques

Percurso Performativo - Covilhã, Um Modelo Cenográfico
Registo audiovisual do Percurso Performativo - Covilhã, um modelo cenográfico. Ao longo do percurso foram contadas histórias relacionadas com a(s) memória(s) da Covilhã, por palavras ou gestos, gravadas ou na primeira pessoa, na maioria das vezes deslocadas dos seus verdadeiros espaços, acompanhando monumentos, arte urbana ou simplesmente lugares. Momentos de partilha de memórias cartografadas na cidade da Covilhã que ajudam a (re)interpretar a(s) identidade(s) do(s) lugar(es). Esta criação demonstra o esforço de aproximação da arte à vida, (re)humanizando os processos e favorecendo o diálogo.


Joana Martinho Marques é licenciada em Artes Plásticas-Escultura, pela FBAUP. Realizou Erasmus na Fac. Belas Artes de Atenas, em 2007 concluiu o Master Internacional de Cenografia/Direção Artística na Fac. Belas Artes da Univ. Complutense de Madrid. Finalizou em 2011 o mestrado em ensino das artes visuais na UBI, onde é doutoranda em Media Artes. Professora, diretora pedagógica da D’Arte+, faz trabalhos com instituições como Teatro Guimerá de Tenerife, Teatro das Beiras, Coolabora, Beira Serra e Quarta Parede. Como artista plástica venceu o concurso nacional “O 25 de Abril, 25 anos depois” com Menção Honrosa pela CMC em 2000. Expôs na Cordoaria Nacional, Culturgest, Espaço de Intervenção Cultural Maus Hábitos, Galeria Psyhary 36 (Atenas), Galeria da ACERT, Museu Municipal de Paços de Ferreira, Galeria Arthobler, Convento São José (Lagoa), ART’S, Business & Hotel Centre.

João Braz

Genius loci
Uma viagem por rotundas rodoviárias e pelas marcas identitárias e artísticas que se inscrevem nos objectos que contêm. A construção de um espírito do lugar.


João Braz nasceu em Lisboa em 1969 e formou-se pela Escola Superior de Teatro e Cinema.Com 30 anos de experiência no cinema, montou 115 filmes, entre longas metragens de ficção, documentários e séries de ficção para televisão. Trabalhou com cineastas como Cláudia Varejão, João Botelho, João Canijo, Fernando Vendrell, Leonor Teles, Margarida Gil, Marco Martins, José Filipe Costa, António Cunha Telles, Jorge Paixão da Costa e Margarida Cardoso entre outros. Venceu por duas vezes o prémio Sophia para Melhor Montagem da Academia Portuguesa de Cinema. É membro do Guild of British Film Editors. Leciona no curso de Cinema na Universidade da Beira Interior e na Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa.

João Morais Inácio

Erupção
Erupção é uma curta-metragem realizada por João Morais Inácio sobre o artista Luís da Cruz. Erupção trata-se do emergir da arte de Luís da Cruz depois do confinamento que todos acabamos por ter por causa da pandemia que dominou o mundo. Um filme repleto por um conjunto de metáforas que jogam com as harmonias que fazem parte do universo de Luís da Cruz. Uma sintonia de elementos que interligam com a vida real e com a Galeria de Arte de Luís da Cruz.

Luísa Leão

Resgate: instalação sobre o bordado, o tempo e a imagem
Obra composta por 3 trípticos realizada a partir da técnica do bordado em sua abordagem contemporânea. Conceptualmente, tece uma crítica ao ritmo de vida e individualismo das sociedades pós-industriais, propondo um resgate ancestral através do tempo humano que caracteriza o bordado, se contrapondo ao tempo das máquinas.


Luísa Leão é natural de Brasília, chegou em Portugal em 2016 para estudar Design de Moda. Licenciou-se em 2019 na Universidade da Beira Interior, período que abrangeu mobilidades acadêmicas no Instituto Politécnico de Milão e na Universidade Federal do Ceará. Possui investigações na área do Design para Sustentabilidade, cultura artesanal e arte têxtil. Participou do VIII Simpósio de Design Sustentável com a apresentação do artigo intitulado “Design para Sustentabilidade através do artesanato”. É artista têxtil bordadeira, motivo que a fez escolher o bordado como objeto principal de investigação a partir do mestrado que concluiu em 2021, com sua dissertação “Do bordado tradicional ao contemporâneo: processos de ressignificação”. No mesmo ano ingressou no doutoramento, com o objetivo de aprofundar suas investigações na área da arte têxtil bordada. Em 2020 desenvolveu seu atelier virtual, empreendendo como artista independente através de plataformas digitais desde então (@luisaleao.atelier). Exerce trabalho voluntário na Coolabora CRL, cooperativa de intervenção social com foco na inovação social. É também mentora de workshops de ensino da técnica do bordado livre.

Mariana Schwartz

Pulso
Sinfonia urbana de Juiz de Fora. Curta-metragem realizado para a disciplina Documentário pertencente ao curso de Bacharelado em Cinema e Audiovisual da Universidade Federal de Juiz de Fora e ministrada pela professora Karla Holanda.

Nuno Aparício

Deforma Digital
A obra procura incidir sobre a figura feminina em contacto direto com a natureza, abordando tal poética, mas concomitantemente explorando a plasticidade dos materiais criando uma simbiose entre um caos organizado (representativo da interioridade individual do artista) e a beleza proveniente da representação humana e que funciona como contraste. Fonte da vida, pretende-se que a figura feminina não funcione como um objeto da pintura, mas sim enquanto sujeito, a personagem principal. A obra abre a possibilidade do seu conceito ser desdobrado através da tecnologia AR presente no aplicativo ARMiles onde os elementos da pintura ganham vida.

Susana Lemos

Corpo-Luz-Matéria
Corpo-Luz_Matéria desperta-nos para a possibilidade de reinvenção plástica do ser que habita um corpo e do campo que o circunda. E é nessa busca incessante através da plasticidade matérica e objectual que a construção plástica oferece, que somos convocados a transcender a própria matéria - corpo transformado em luz. Corpo e matéria agregam-se estabelecendo nessa fusão uma solução por vezes abstractizante. O corpo, nesta relação que estabelece com a forma simbólica, adquire uma dimensão telúrica presente na matéria densa dos materiais de que se reveste este conjunto de obras. Por outro lado, encontramos nestas imagens a utilização de uma linha fundadora e que nos remete para a prática do fiar e do tecer, assumindo-se esta como um agente simbólico e criador. Numa analogia simbólica ao fio de Ariadne, encontramos neste fio, uma busca espiritual, uma possível lógica de união através de uma sequência de formas circulares habitadas por corpos e corpos que habitam essas formas. Encontramos aqui a linha enquanto veículo, um elemento tecedor da matéria da plástica e da luz, agente de ligação ao todo, à génese de todas as coisas.