ALEJANDRA POMBO

Desde que realicé mi tesis doctoral hay algo que incluyo en mi bio: he estudiado Bellas Artes, carrera que solo le he encontrado sentido por haberle dado la posibilidad de realizar una tesis doctoral bajo la dirección del escultor Juan Luis Moraza. Un largo período de investigación y escritura, duro y maravilloso, en el que he podido centrarme en por qué estaba haciendo el trabajo que estaba haciendo y qué es lo que lo hace significativo. Me gustaría en estas jornadas poder compartir lo que ha hecho tan significativo, como artista, el haber realizado una tesis doctoral en relación a dos nociones, el deseo y la experiencia, para entrelazarlo con otra noción que he desarrollado durante la tesis, el perencuentro, y que es base en mi práctica artística.

Alejandra Pombo (Santiago de Compostela, 1979) ha estudiado Bellas Artes, carrera que solo le ha encontrado sentido por haberle dado la posibilidad de realizar una tesis doctoral bajo la dirección del escultor Juan Luis Moraza. Un largo período de investigación y escritura, duro y maravilloso, en el que pudo centrarse en por qué estaba haciendo el trabajo que estaba haciendo y qué es lo que lo hace significativo. Nació en 1979 por lo que le ha dado tiempo para haber presentado su trabajo en diversos museos, festivales y centros de arte (una lista quizás algo aburrida así que me la salto). Su trabajo se mueve por muchas aguas: el cine, la escultura, la escritura, el dibujo, la pintura, la performance… pero siempre desde un mismo barco: su modo de hacer. Ha realizado numerosas residencias artísticas tanto en la península y alrededores, países del norte y saltando el charco, que le han permitido producir su trabajo. Ha participado en proyectos como Mugatxoan, el Primer Proforma 2010 en el MUSAC con los artistas Txomin Badiola, Sergio Prego y J. Mikel Euba y en diferentes proyectos con las artistas María Jerez, Josu Bilbao, Silvia Zayas, Loreto Martínez Troncoso, Juan Domínguez y Mårten Spångberg. Su más recientes exposiciones han sido Miradas IV en el Centro Torrente Ballester, en la cual por primera vez expuso un proyecto escultórico en relación con su película Wild Palms y Perencuentro en la Zona C de Santiago de Compostela, un proyecto de dibujo e intervención espacial que ha tenido su desarrollo al mismo tiempo que la realización de una publicación titulada Inocencia. https://www.vampirillasilvestre.net

JOSÉ BOGALHEIRO

Dois passos atrás, um passo em frente: as três questões da investigação em artes
A inclusão na modalidade de ‘provocação breve’ admite que se coloque a hipótese de, interrogando-nos sobre para que serve a investigação em artes, se ficar um passo atrás de onde já se esteve. Se a questão do objecto e a questão do método fizerem parte do movimento regrediente, poderá, no movimento progrediente, o exercício prometer não só ver “o avesso do trabalho”, mas “um filme em câmara lenta do trabalho” criativo, capaz de “comover” pela prodigiosa impressão causada? A ‘provocação breve’, no seu carácter metafórico ou mesmo algo fabuloso, alude, no passo em frente, a uma passagem de Merleau-Ponty (“A linguagem indirecta e as vozes do silêncio”) sobre as duas faces do acto de pintar e, nos dois passos atrás, convoca “Uma recordação de infância”, em duas versões (de S. Freud e H. Damisch) em que se destaca a questão de como retomar um motivo abandonado.

José Bogalheiro Nasceu em Peraboa (Covilhã) em 1950. É Professor Coordenador da Escola Superior de Teatro e Cinema (ESTC), instituição em que, desde 1981, também desempenhou várias funções de direcção, nomeadamente, como Director do Departamento de Cinema. É investigador integrado do CIAC – Centro de Investigação em Artes e Comunicação. Estudou Jornalismo na Faculdade de Filosofia da Université Libre de Bruxelles (ULB). Formou-se em Psicologia pelo Instituto Superior de Psicologia Aplicada (ISPA). Fez o Curso de Cinema da Escola de Cinema do Conservatório Nacional. É doutorado em Psicologia, especialidade de Psicanálise, pelo Instituto Universitário de Ciências Psicológicas, Sociais e da Vida (ISPA-IU). É autor do livro Empatia e alteridade: a figuração cinematográfica como jogo (Sistema Solar/Documenta, 2014), edição da sua tese sobre a experiência fílmica enquanto experiência paradoxal do espectador. Na actividade profissional no domínio do cinema exerceu várias funções com destaque para as de produtor na Trópico Filmes.

JÚLIO LONDRIM

A investigação foca-se na criação de uma metodologia de projecto em arquitectura (Tecnologia Vernacular vs. Tecnologia Global), aplicada nos Países Em de Desenvolvimento. De carácter interdisciplinar cruza geografia com arquitectura, materiais locais com tecnologia global. Com a premissa da sustentabilidade social, ecológica e económica; criando uma base de dados que possa ser acessível às populações autóctones, através de uma app, viabilizando os recursos materiais e culturais locais na aplicação de Appropriate technologies em arquitectura e design.

Júlio Londrim é Licenciado em Design e em Arquitectura, com prática de projecto nas duas áreas desde 1990, cruzando as duas vertentes disciplinares na concretização de projectos em Portugal e no continente Africano. Lecciona na UBI desde 2006 nos cursos de Design Multimédia e Design Industrial. Em 2015 finaliza o doutoramento na área da arquitectura, com um tema de carácter interdisciplinar, cruzando as várias vertentes desde a arquitectura, geografia, design e sustentabilidade

JOÃO PAULO QUEIROZ

João Paulo Queiroz é professor na Faculdade de Belas-Artes, ULisboa, e nos cursos de doutoramento da UPorto e Univ. Sevilha. Preside ao Centro de Investigação CIEBA, ULisboa. Coordenador do Congresso "CSO, Criadores Sobre outras obras" e das revistas Estúdio, (QUALIS A2), Gama (QUALIS B1), e Croma (QUALIS B1). Coordenador do Congresso de Educação Artística Matéria-Prima e da Revista Matéria-Prima (QUALIS B1). Graduação em Pintura, FBAUL. Mestre em Comunicação, ISCTE. Doutor em Belas-Artes, ULisboa. Presidente da Sociedade Nacional de Belas Artes. Perspectiva sobre as mudanças observadas nos últimos anos nos campos da criação artística e da investigação em artes a partir da organização dos congressos CSO - Criadores sobre Outras Obras (http://cso.fba.ul.pt ) e Matéria Prima (http://congressomateria.fba.ul.pt ) e da edição das revistas Estúdio, Croma, Gama e matéria Prima.

MÓNICA MENDES

Investigação Baseada na Prática em Artes Digitais e o Projecto ARTiVIS
Como ponto de partida para questionar e reflectir acerca dos métodos e práticas artísticas em contexto de investigação, são apresentadas as instalações interactivas do projecto ARTiVIS desenvolvidas no âmbito da investigação de doutoramento em Media Digitais. Serão explorados também exemplos de prototipagem e avaliação de experiências artísticas para envolvimento cívico relacionado com a sustentabilidade ambiental.

Mónica Mendes é professora auxiliar e coordenadora da especialidade de Arte Multimédia do doutoramento em Belas-Artes na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, designer e artista digital. É também investigadora no ITI/LARSYS – Interactive Technologies Institute e colaboradora no CIEBA – Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes, co-fundadora do hackerspace altLab e membro do Colégio F3 – Food, Farming & Forestry. Interessada em contribuir para um ambiente mais sustentável, criou o projecto ARTiVIS onde explora sistemas interactivos na intersecção da Arte, Ciência e Tecnologia, tendo lugar em eventos de comunidade, cultura e arte, como residências artísticas, encontros e workshops, conferências e exposições. http://monicamendes.info

PAULO LUÍS ALMEIDA

Transferências, Deslocamentos e Conhecimento - Um paradigma performativo na investigação em desenho
O desenho é usado para pensar, planear e instruir diversas ações, sejam ações do quotidiano como uma viagem, sejam ações de elevado grau de complexidade como coreografias ou a organização dos Jogos Olímpicos. De uma forma menos evidente, usamos o desenho também para substituir ou reencenar uma ação que não podemos ou não queremos efetivamente realizar, como um ato fingido. Recentemente, manuais e professores de desenho começaram a explorar, de forma mais sistemática, processos performativos como um apoio potencialmente significativo e provocador na pedagogia do desenho, tanto no ensino artístico como no design e na arquitetura. Ao mesmo tempo, investigadores no campo das performances sociais e antropológicas começaram a considerar o desenho como uma ferramenta válida de inquérito nos seus próprios campos de trabalho. Como testemunho visual, o desenho tornou-se valorizado pelo que o distingue enquanto reconstrução subjetiva de um acontecimento num espaço de outro modo inacessível, impossível de ser registado por outro meio por razões técnicas, culturais ou políticas. Nesta conversa irei discutir como o desenho ideacional ou de observação pode ser abordado através de metodologias baseadas na performance, oscilando entre uma prática tangível e uma ação simulada; como podemos conceber ações através do desenho e suas relações com o pensamento criativo; e como podemos enquadrar essas abordagens na área mais ampla da investigação.

Paulo Luís Almeida é professor na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto e investigador no Instituto de Investigação em Arte, Design e Sociedade (I2ADS). É atualmente diretor do departamento de desenho na mesma Universidade. O seu trabalho artístico e de investigação, que se desdobra em desenho e performance e resulta de noções muito simples: a noção narrativa de prova; a repetição e deslocamento de gestos quotidianos; a transferência de ações entre o desenho e contextos performativos.

PAULO FREIRE DE ALMEIDA

“Mancha Directa, O desenho como perceção e expressão de valores tonais” foi uma pesquisa em volta de um processo de desenho designado por “Mancha Directa”, exclusivamente feito com valores tonais – manchas e tramas – e suas implicações enquanto exercício didático. Pretendeu-se com esse estudo avaliar de que modo a perceção exclusiva de tons, sombras e luz altera o desempenho do aluno. A pesquisa desenvolveu-se em três linhas autónomas: estudo da perceção visual, história da arte e didática do desenho. Como antecâmara reflexiva, ao longo dessa pesquisa foi-se aprofundando, um questionamento acerca a especificidade da escrita sobre artes visuais e o desenho em particular. O que distingue o discurso do artista visual do discurso do historiador de arte ou do teórico? Sem respostas finais, formou-se a intuição de que a especificidade do discurso do artista visual está relacionada com a prática, e também, com a reforçada experiência de perceção.

Paulo Freire de Almeida - EAUM/Lab2PT - Licenciado em Artes Plásticas / Pintura pela Escola Superior de Belas Artes do Porto em 1993, Doutorado em Desenho e docente na Escola de Arquitectura da Universidade do Minho e Investigador do Laboratório de Paisagens Património e Território. Nessa qualidade tem-se dedicado ao estudo da perceção do espaço e das formas contemporâneas de representação da paisagem em pintura e desenho, especialmente no tema das paisagens anónimas e comuns da periferia e do quotidiano. Entre 2012 e 2015 foi Vice-Presidente da EAUM. Como docente ensina ainda nas licenciaturas em Design Marketing e Moda, Design de Produto, Mestrado em Tecnologia e Arte Digital e Mestrado Integrado em Arquitetura. Desde 2017 é Professor Associado de Desenho. É membro integrado do Laboratório de Paisagens Património e Território. Desde 1993 realiza exposições em Artes Visuais. Como artista visual dedica-se à série de desenhos “Sombra Eléctrica.”

RENATA FERRAZ

Uma possibilidade de investigação em artes: o processo de criação do filme Rua dos Anjos
Apresento o processo de construção do filme Rua dos Anjos a partir do cruzamento entre a criação artística e a investigação académica, a partir da perspetiva de uma criação partilhada entre uma realizadora e uma personagem retratada num filme com abordagem documental. As reflexões e argumentações que acompanharam o percurso de criação do filme, serviram não apenas para a construção da materialidade fílmica como também para a componente textual. Antes do texto se apresentar como justificativa para a construção do filme ou este servir de exemplo para uma qualquer teoria cinematográfica, atentei-me em dar voz ora a um ora a outro, procurando maneiras de ambos se constituírem mutuamente. Assim, o pensamento e a ação estiveram amalgamados nas vertentes teórica e prática e estas entre si. A investigação foi revisitada e a rota alterada inúmeras vezes, um percurso oscilante calcado numa experimentação localizada e particular, guiada pela preocupação de efetuar um constante estranhamento dos processos de naturalização que operam no campo cinematográfico.

Renata Ferraz é doutorada em Artes (Performativas e da Imagem em Movimento) pela Universidade de Lisboa. Sua pesquisa de doutoramento foi financiada pela CAPES (Brasil) e sua tese é intitulada: Criação fílmica partilhada entre um personagem que realiza e uma realizadora que atua: o processo de construção da Rua dos Anjos. É mestre em Arte Multimédia e licenciada em Artes do Espetáculo. Tem utilizado sua experiência pretérita de mais de uma década como atriz, professora de artes e coordenadora artístico- pedagógica em projetos sociais para desvendar as possibilidades de criação partilhada entre cineastas e personagens retratadas. Considerando teoria e prática como vertentes equivalentes nos processos de criação-investigação em artes, seu interesse artístico-acadêmico está baseado em territórios fronteiriços entre o cinema, multimédia e artes performativas. Atualmente é investigadora do CIEBA (FBAUL) e do LabCom.IFP (UBI) e está a trabalhar na pós-produção da longa-metragem Rua dos Anjos.

RITA SIXTO

¿Arte como investigación? Investigación artística y universidad.
Las prácticas del arte guardan sin duda relación con actividades propias de la investigación. Considerar que artistas e investigadores mantienen ciertas actitudes comunes, no debería ser objeto de controversia. Sin embargo, hasta su entrada en la universidad, la práctica artística no necesitó definirse como investigación (al menos no con el empeño actual). La investigación sobre el arte -cuyo objeto son las obras de arte y sus autores- se asienta aplicando criterios y metodologías construidos desde las humanidades, un campo en los que la universidad tiene una gran trayectoria. Así mismo, la investigación basada en medios, procedimientos y técnicas, hoy eminentemente tecnológicos, encuentra fácil acomodo en términos de innovación y desarrollo, propios de los planes priorizados por las actuales instituciones. Pero resulta más controvertida considerar la actividad artística (en su pluralidad) como una práctica investigadora; más difícil, sin duda, de encajar en los criterios, en los modos de validar la investigación universitaria. Aunque el arte contemporáneo ha evidenciado de muy distintas maneras la relación estrecha que existe entre práctica del arte y reflexión teórica, entre acción y pensamiento, la actividad artística parece estar lejos de cumplir con los requisitos estándares de la investigación en cualquier otro ámbito. La práctica del arte, en su desarrollo, muestra muchas veces un devenir procesual, donde surgen rupturas, convergencias, bifurcaciones. Cada proyecto artístico necesita, normalmente, crear su propia metodología, su propia estructura; a menudo objeto de estudio y maneras de abordarlo, entran en una relación orgánica, al tiempo que el autor va construyendo su posición. La actividad artística aparece así como difícilmente equiparable a los resultados que cabe esperar de cualquier otro campo de conocimiento. Sobre todo si este se entiende como algo lineal, acumulativo, consecuente, verificable, (universal); ya que ciertamente la práctica artística se distancia tanto de la experimentación científica, como de la lógica de la argumentación secuencial. ¿Qué compromiso adquiere la práctica artística en el ámbito de la investigación universitaria? ¿qué papel desempeña la universidad en la investigación artística? ¿De qué modo los formatos para la comunicación de la investigación -Tesis, Artículos- y los del arte -Exposiciones- condicionan (limitan o impulsan) la investigación basada en la práctica del arte?

Rita Sixto Cesteros , (Trives, 1962), es profesora en el departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. Con la dirección de Adelina Moya defendió en 1998 la tesis titulada Instante y duración. Aproximación a la temporalidad fotográfica, y se sigue interesando por las relaciones entre arte y tiempo, así como por las imágenes en general. Trabaja sobre la dimensión investigadora de la práctica artística. Le interesan especialmente los procesos de observación y memoria, como parte del proceso poiético Fue responsable del Programa de Doctorado Laboratorio de prácticas artísticas, iniciado en el año 2004, y posteriormente del programa Investigación y Creación en Arte (ambos UPV/EHU). Ha impartido asignaturas relativas a los procesos de creación y a las metodologías de investigación artística. En la actualidad dirige el grupo de investigación laSIA http://www.lasiaweb.com , centrado en la investigación basada en la práctica del arte, cuyo más reciente proyecto se ha desarrollado bajo el título El lugar del sujeto en la investigación artística basada en la práctica.

SILVIA ZAYAS

...el agujero, el vacío, imágenes difractadas, fantasmas, saltos de escala, entrelazamientos, experimentos compartidos...
En mi tesis doctoral, totalmente entrelazada con mi trabajo artístico, indago modos de generación de imágenes en movimiento a través de dispositivos escénicos cercanos a la cinematografía. Imágenes que no pretenden reflejar la realidad sino producir estados para la percepción compartida. La investigación y la experimentación suceden desde “dentro” y “con” la práctica artística, pero también en los modos de narratividad: escribir “a través”, conectando diversos tiempos, espacios, materialidades y voces... como plantea la difracción*, más que escribir “sobre” o desde una mirada descriptiva o lineal volcada hacia el pasado.

Silvia Zayas (León, España, 1978). Trabaja entre los límites de las artes escénicas, el video y la coreografía expandida. Actualmente está investigando formas de traducir el lenguaje fílmico de no ficción a diferentes dispositivos performativos. Está realizando un doctorado en artes escénicas y cinematografía en la Universidad de Castilla-La Mancha. Es profesora en el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual (Museo Reina Sofía, Madrid, Artea y UCLM). Recientemente trabajó en el proyecto de investigación artística Jumping Scales (Matadero-Madrid). Algunas de sus piezas más recientes son São Tomé Revisitado (2012) (Beca de Creación MUSAC), Parallax (2016) producida con el apoyo del programa "Artistas en residencia" de CA2M y La Casa Encendida; The Boogie-Woogie Ghost (2018) una película coreográfica junto con María Jerez, Talking pictures-una película hablada (2018) con Esperanza Collado. Actualmente está trabajando en el proyecto de cine sin película Brilliant Corners junto con Orquestina de Pigmeos, apoyado dentro del marco del Festival Salmon, Barcelona. Ha trabajado en colaboración con diferentes artistas y colectivos, como Declinación Magnética (desde el 2013); El Desenterrador de Sofía Asencio, Alejandra Pombo, o Chus Domínguez y Nilo Gallego en el proyecto de la exposición-laboratorio de artes en vivo Laboratorio 987 (2012-2013), MUSAC.

DANIEL RAPOSO

Daniel Raposo é designer de comunicação e docente da Escola Superior de Artes Aplicadas do Instituto Politécnico de Castelo Branco, desenvolve trabalho com enfoque especial na área da Identidade Visual Corporativa. É doutor em Design pela Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa com a Tese “A letra como signo de identidade Visual Corporativa”, membro do CIAUD – Centro de Investigação em Arquitectura, Urbanismo e Design. De 2006 a 2010 foi coordenador do curso de Design de Comunicação e Produção Audiovisual e atualmente é coordenador do Mestrado em Design Gráfico da ESART-IPCB em associação com a FAUTL e da Unidade Técnico-Científica de Design, Audiovisuais e Produção dos Media. Foi responsável pelo projeto “Ritmos de Weimar”, desenvolvido entre a ESART e a Bauhaus-Universität Weimar e professor de Design Gráfico na Faculdade de Arquitectura da Universidade Técnica de Lisboa. É professor do Dottorato Internazionale Design e Innovazione sediado em Nápoles, com colaborações com a Universidade Pontifícia de Salamanca, Joan Costa Institute, entre outras universidades nacionais e internacionais. Foi membro do Painel de Avaliação do painel Arquitetura e Design - Concurso Bolsas 2015 Fundação para a Ciência e a Tecnologia (FCT) e de integrou a Comissão de Avaliação Externa da Agência de Acreditação A3ES para a avaliação dos cursos CAE Multimedia /Design (2014). É diretor editorial da “Convergências – Revista de investigação e ensino das artes” ( http://convergencias.esart.ipcb.pt ); membro do conselho científico de revistas internacionais especializadas.
www.danielraposo.com .

FRANCISCO PAIVA

Professor Associado da Universidade da Beira Interior (UBI), onde dirige o curso de 3º Ciclo/ Doutoramento em Media Artes. Doutor em Belas Artes - Desenho pela Universidade do País Basco, licenciado em Arquitectura pela Universidade de Coimbra e licenciado em Design pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Coordena o Grupo de Artes e Humanidades do LabCom. Desenvolve pesquisa e criação sobre processos espacio-temporais, intermedialidade e identidade nas artes. Integra comissões científicas de eventos e de diversas publicações internacionais especializadas. Coordenador científico da DESIGNA, Conferência Internacional de Investigação em Design e da plataforma Montanha Mágica* Arte e Paisagem. Integra ainda a CooLabora, cooperativa de intervenção social.

JOANA MARQUES

Licenciada em Artes Plásticas-Escultura, pela FBAUP. Realizou Erasmus na Fac. Belas Artes de Atenas, em 2007 concluiu o Master Internacional de Cenografia/Direção Artística na Faculdade de Belas Artes da Univ. Complutense de Madrid. Finalizou em 2011 o mestrado em ensino das artes visuais na UBI, onde é doutoranda em Media Artes. Professora, diretora pedagógica da D’Arte+, faz trabalhos com instituições como Teatro Guimerá de Tenerife, Teatro Real de Madrid, Teatro das Beiras, Coolabora, Beira Serra e Quarta Parede. Como artista plástica venceu o concurso nacional “O 25 de Abril, 25 anos depois” com Menção Honrosa pela CMC em 2000. Expôs na Cordoaria Nacional, Culturgest, Espaço de Intervenção Cultural Maus Hábitos, Galeria Psyhary 36 (Atenas), Galeria da ACERT, Museu Municipal de Paços de Ferreira, Galeria Arthobler, Convento São José (Lagoa), ART’S, Business & Hotel Centre.

LUÍS NOGUEIRA

Luís Nogueira é Professor Auxiliar no Departamento de Comunicação e Artes da Universidade da Beira Interior, onde foi diretor da licenciatura em Cinema, entre 2008 e 2015. Leciona ou lecionou unidades curriculares como Géneros Cinematográficos, Laboratório de Guionismo, Montagem, História do Cinema e Cinema e Outras Artes. Doutorou-se com a tese Narrativas Fílmicas e Videojogos. Articulações e dissensões. A dissertação de mestrado denomina-se Violência e Cinema. Monstros, soberanos, ícones e medos. A relação do cinema com as demais artes e média, como a literatura, a pintura, o teatro, a fotografia, a banda desenhada, o videoclip ou os novos meios, bem como a intertextualidade, a intermedialidade e a transmedialidade são outros temas do seu interesse. Publicou diversos manuais de cinema como Laboratório de Guionismo, Géneros Cinematográficos, Planificação e Montagem, Os Cineastas e a sua Artee Histórias do Cinema. Outros textos sobre temas diversos da sétima arte estão compilados nos livros Cinema e Digital: Ensaios, Especulações, Expectativase Cinema Múltiplo: Figuras, Temas, Estilos, Dispositivos (disponíveis em livroslabcom.ubi.pt ).

MANUELA PENAFRIA

Docente no Departamento de Comunicação e Artes da UBI e investigadora do Labcom.IFP. Membro do Conselho Consultivo da AIM-Associação dos Investigadores da Imagem em Movimento e membro da comissão científica de revistas portuguesas e brasileiras. Co-Editora da revista DOC On-line, dedicada ao documentário. Das publicações recentes, destaca a co-edição de três volumes da coleção Teoria dos cineastas, uma investigação que desenvolve com investigadores brasileiros e espanhóis: Ver, ouvir e ler os cineastas; Propostas para a teoria do cinema; e Revisitar a teoria do cinema (disponível em: http://labcom-ifp.ubi.pt/tcineastas ).

PAULO DIAS

Assistente Convidado no Departamento de Comunicação e Artes da Universidade da Beira Interior (desde 2007). Licenciado em Ensino da Música (Ramo de Piano) pela Universidade de Aveiro (1996). Pós-graduado em Psicologia da Música na Faculdade de Psicologia da Universidade do Porto (2004). Doutorando em Ciência e Tecnologia das Artes (Informática Musical), Escola de Artes da Universidade Católica Portuguesa, Pólo da Foz, Porto (desde 2009) com Bolsa de doutoramento FCT (2011- 2015). Pianista dos grupos Piazzollando e 4Portango tendo, no seio deste último, actuado na “Cimeira Mundial do Tango” em Lisboa (1998) e compondo e executando música para o filme “Mortinho por Chegar a Casa” do realizador Carlos da Silva (1996). Presentemente dedica-se à investigação de música e cinema, música e cultura e interacção audiovisual.

URBANO SIDONCHA

Urbano Sidoncha é licenciado em Filosofia pela Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa e doutorado em Filosofia Contemporânea pela mesma Universidade. Professor auxiliar da Faculdade de Artes e Letras da UBI, foi o primeiro Diretor do Curso de Ciências da Cultura da UBI, cargo que exerceu entre 2013 e 2015, e Diretor do Curso de Filosofia de 2009 até 2016. É atualmente Diretor do Mestrado em Estudos de Cultura. Investigador integrado do LabCom.IFP, é autor de diversos trabalhos científicos publicados em revistas nacionais e estrangeiras, autor do livro Do Empírico ao Transcendental – A Consciência e o Problema Mente/Corpo entre o Materialismo Reducionista e a Fenomenologia de Husserl, FCG/FCT, 2011 e editor do Metamorfoses da Cultura, Nova Vega, 2017.